ANALISIS EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS,TARDE DEL DOMINGO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE, EL CRISTO AMARILLO DE GAUGUIN Y EL GRITO DE EDUARD MUNCH
EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS JAQUES-LOUIS DAVID
En 1784 Jaques-Louis David pintó El Juramento de los Horacios y fue una obra trascendental en el arte Europeo. Representando el conflicto entre la familia y el deber patriótico ya que los tres hermanos toman armas en contra de su propia familia.
DIMENSIÓN FORMAL:
Tono y Luminosidad: La luz que utiliza Jaques-Louis David es natural, le
ayuda a dar forma a las figuras humanas. La iluminación proviene de la parte
izquierda del cuadro, lo que da volumen a los cuerpos y ayuda a concentrar el
drama en la acción de los elementos
esenciales.
Composición: Su soporte es óleo sobre lienzo 330cm x 425 cm. Uno de los elementos que hacen particular a este cuadro son sus elementos de composición. Encontramos dos puntos de fuga. Los que se dirigen hacia las manos y espadas del padre y los de las mujeres. Por eso encontramos dos elementos esenciales. Al dividir la escena con tres columnas nos habla del cumplimiento del deber patriótico y hacía su familia de los Horacios. El del padre que toma juramento y las mujeres que quedan relegadas en el papel político y social. Las cabezas del padre y de los hijos se encuentran en un mismo plano horizontal.
Expresión: Los Horacios
tienen una expresión seria al igual que el padre quien ve hacia arriba en favor
de sus dioses y su patria. Las mujeres lloran, una le tapa la mano a un niño,
pero este se la quita queriendo ver,
quizás ya esté interesado en defender a su patria.
Lógica imaginaria: Los Horacios hacen su juramento a su padre y patria. Las mujeres quedan en un lugar atrás relegado llorando. Todo fue acomodado equilibradamente pero también para que parezca una escena un poco teatral.
DIMENSIÓN DEL SÍMBOLO VISUAL
Imagen
y símbolo: Las figuras tratan de representar exactamente el cuerpo humano, cada
musculo, color de piel rasgos. Lo duro y valiente de los hombres lo delicado y
sentimental de las mujeres.
Signo: Los hombres romanos defendían a su patria aunque de ello dependiera matar a su propia familia.
Alegoría: Los soldados romanos son fuertes, duros y aman su patria sobre todas las cosas.
Arquetipo: La obscuridad después de las figuras humanas da pesadumbre. El autor convierte a estos personajes en arquetipos de soldados romanos cuya lealtad hasta la muerte por su patria. El blanco de la doncella indica virginidad y al igual que las otras muestra la sensibilidad de la mujer.
Hermenéutica del símbolo: El triangulo que forman entre las espadas y las
manos es la unión, fervor obediencia por
su patria, así como con su padre.
DIMENSIÓN NARRATIVA: El padre de los Horacios es el que lleva la acción
principal el juramento, sus tres hijos dirigen hacia el su mano y juran por
defender a su patria, mientras este sostiene sus espadas. Los hermanos que quieren otorgar su vida por su patria.
Los hombre son de acero y las mujeres sensibles se quedan en casa esperando.
David pinta el deber que tienen los ciudadanos en morir por su patria.
ANÁLISIS HISTÓRICO
CULTURAL:
Esta obra fue encargada por el Rey Luis XVI de Francia en 1785, cuatro
años antes de la Revolución Francesa, lo que puede darnos una pista sobre la
exaltación del patriotismo heroico y el deber de los ciudadanos por
sacrificarse por la patria. Algunos autores la sitúan en el neoclasicismo y
otros en el romanticismo, pero quería analizarla, ya que se me hizo
interesante. David tomo la obra de
teatro Horacio para representar su pintura y la acción la sitúa en Roma.
En la pieza teatral la familia de los Horacios se encuentra unida a la de
los Curiacios que están en la ciudad de Alba Longa y varios miembros de ambas
familias están casados entre sí. Se declara la guerra entre las dos ciudades y
cada ciudad designa tres hombres para decidir la suerte de las dos ciudades y
terminan siendo los Horacios y los Curiacos los destinados a defender sus pueblos.
Uno de los hermanos gana y los demás mueren, su hermana le reprocha haber matado a su amor, así que la mata y es llevado ante los jueces, pero termina siendo inocente por amor a su patria.
IMPRESIONISMO
TARDE DEL DOMINGO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE
La obra del impresionista Georges Pierre Seurat hecha de 1884 a 1886 es
un ejemplo de puntillismo. Es un ejemplo claro de este movimiento, vemos
la pasión por la pintura al aire libre que pintaban paisajes al natural con
tonos claros y luminosos.
DIMENSIÓN DEL SÍMBOLO VISUAL
FORMA: El espacio es abierto no se cierra. Existen muchas líneas rectas,
pero también algunas curvas. La
perspectiva se encuentra a la derecha, lo que hace que se distorsionen las
caras. El paisaje está pintando geométricamente, líneas verticales en los
arboles y las figuras son horizontales de los personajes en el piso.
COLOR: El color se aplica con la técnica denominada puntillismo, lo que
hace una mezcla luminosa y brillante. Encontramos amarillos en las zonas
iluminadas pero también naranjas y azules.
TONO Y LUMINOSIDAD: El paisaje tiene un contraste entre lo iluminado y la
sombra, pero no utiliza los colores obscuros, solamente en determinados
personajes.
Imagen y símbolo: Pareciera una tarde feliz al lado del agua que
significa tranquilidad. Vemos varios personajes de todas clases sociales que la
buscan sin importar eso: Un hombre y su mujer vestidos aristocráticamente al
lado de un jornalero. Los trazos de los
personajes sin cara le quitan la individualidad. Las mujeres que pescan a la
orilla son prostitutas que quieren pescar hombres.
SIGNO: Es un paisaje muy iluminado aunque no está determinado el autor
utiliza varios verdes como símbolo de esperanza, el azul del agua que trae paz.
. La mayoría están vestidos de colores claros, menos los que están paseando al
mono, que traen vestidos de luto y se encuentran a la sombra. Varios actores realizan varias acciones, los
perros corren, un trompetista toca, niños jugando, soldados, etc, pero son
gente de distintos tipos sociales que se mezclan entre sí, ya que todos buscan
la paz del agua. Es importante recalcar que no traen cestas de comida, no
buscan recrearse, buscan paz.
ALEGORÍA: Las personas van hacia donde está el agua a buscar paz, y
mientras la encuentran hay quienes pueden brindar a cambio de monedas un poco
de compañía.
ARQUETIPO: El azul y las aguas representan la tranquilidad, los hombres
viendo hacia ella la búsqueda de esa paz, de lo profundo.
HERMENÉUTICA DEL SÍMBOLO: Apreciamos las distintas clases sociales y como
espiritualmente todos buscamos lo mismo.
DIMENSIÓN NARRATIVA:
Una tarde soleada en el campo en una pequeña isla del Sena en París. Se
presentan varias acciones, mujeres acompañando caballeros, no familias. Vemos a
varios tipos de personas, gente de diversa condición social que se entremezclan
al lado del mar. Vemos que las personas que están en la luz se notan más
felices, en la sombra dos personas vestidas de luto, una jovencita al lado de
otra que podría ser su madre, tiene una bolsa con un corazón, esperando quizás
ser conquistada.
ANÁLISIS HISTÓRICO
CULTURAL:
Georges Seurat proviene de una familia acomodada, hizo varias veces el
esquema y pinto varias escenas del mismo. El creía que podía usar el color para
crear emoción y armonía. La emoción de la alegría puede ser alcanzada por la
dominación de las tonalidades luminosas, por eso pinto a varios en la sombra de
obscuro para decir que no están felices o conformes.
POSTIMPRESIONISMO
CRISTO AMARILLO, PAUL GAUGUIN
Inspiración de artistas
medievales, Gauguin presenta un cuadro religioso pero muy simplificado. Siguiendo la línea de impresionismo los postimpresionistas utilizan colores vivos,
temas de la vida real pero a diferencia de ellos tenían más emoción y expresión
en la pintura, representando más subjetivamente al mundo.
Forma: Se representa la imagen de Cristo, el cual tiene forma cerrada, pero su cruz y el campo es abierto. Utiliza una combinación de formas líneas rectas en la cruz y los arboles predominando las líneas curvas, además presenta líneas gruesas de color negro en el Cristo y de colores en otras parte del cuadro.
Color: Tiene colores no reales, el color amarillo del cuerpo, los arboles
marrones que pueden ser otoñales. Los contornos son negros. También encontramos
una mezcla de naranjas y verdes. En un
cielo azul al atardecer.
Tono y Luminosidad: Los tonos son
colores vivos, el autor casi no utiliza tonalidades para generar volumen, además
suprime las sombras y no hay degradaciones de color que me puedan indicar
luminosidad. Lo que me indica el tiempo
es el tono de los arboles, el color y el cielo. Unos manchones negros
dan forma al cuerpo de Cristo.
Composición: Su soporte es óleo
sobre lienzo 92cm x 73 cm. La
composición que utiliza Gauguin es muy básica, solamente distinguimos que todas
las figuras centrales están desplazadas hacia la izquierda para permitir la
vista de las personas que se escabullen por la barda. Al fondo aparece el
campo, casas dispersas entre los árboles en un cielo azul con varias nubes.
Expresión: El Cristo tiene una expresión
de cansancio, pero también de paz. De las tres mujeres solamente una se
le ve la cara, no tiene expresión de dolor, solamente de solemnidad o respeto,
pero las tres miran hacia abajo.
Lógica imaginaria: Se ven en el centro un Cristo crucificado que cuentan
el artista copio de una iglesia rural. Abajo a la izquierda están sentadas a
sus pies tres mujeres sumisas. En el fondo vemos una figura humana que se
escapa y salta la barrera. Si fuera el
momento de la crucifixión ellas estaría llorando, si fuera una aparición las
mujeres estarían asombradas. Por lo que considero es una imagen normal, como si
fuera una iglesia y ellas le rezan.
DIMENSIÓN DEL
SÍMBOLO VISUAL
Imagen y símbolo: Cristo en la cruz es un símbolo católico por excelencia, es la representación de la iglesia Católica y se encuentra presente en todas las iglesias. El amarillo simboliza el color de la luz, el sol, combinado con el rojo y el naranja constituye colores de la emoción. Las mujeres son las típicas aldeanas de la Gran Bretaña en una comarca donde vivía Gauguin.
Signo: El signo de Cristo significa que Jesús ha ofertado su cuerpo a su padre para salvarnos. Para los católicos la cruz ilumina la vida, da esperanza, enseña el camino y pide que tengamos el mismo estilo de vida para llegar al cielo.
Alegoría: Existen dos tipos de caminos, el seguir el camino de Cristo de
la salvación, donde están las mujeres recatadas y piadosas o seguir el otro
camino. Si nos fijamos el hombre que salta la barda, hay otras dos figuras con su cabeza tapada
pero su atuendo es obscuro, no sé si sea por el fondo o porque no sean tan
recatadas y por eso el prefiera a veces el otro camino del pueblo un poco más
mundano.
Arquetipo: El color amarillo que ilumina, el naranja que da candor y la
figura de Cristo que es la representación de la iglesia católica.
Hermenéutica del símbolo: El símbolo de Cristo en esta pintura representa el llamado que él hace a Gauguin, pero que quizás todavía no esté resuelto a seguir.
DIMENSIÓN NARRATIVA: Aunque el Cristo y las mujeres están estáticos
la figura que brinca la barda es la que
lleva la acción. La barda es el emblema del camino o situación que debemos
tomar.
ANÁLISIS HISTÓRICO CULTURAL:
Ésta es una de las obras más famosas de
Gauguin realizada en 1889 en Gran Bretaña. Se inspiro en una talla de un
escultor local para su obra que encontró en una iglesia. Gauguin comenzó a
interesarse por los temas religiosos atraído por el catolicismo muy profesado
en aquella provincia. Esta pintura es testimonio de su orientación católica y
como se siente en ella. La división del campo puede ser su alma un tanto
espiritual, otro tanto terrena. EXPRESIONISMO
EL GRITO EDUARD MUNCH
Eduard Munch pinto en 1893 El Grito en Paris, una de las cunas, en ese
entonces, del pensamiento contemporáneo. Munch marco el camino para el Expresionismo en Europa.
DIMENSIÓN FORMAL:
Forma: el cuadro está
formado por varias líneas tenues, algunas rectar algunas curvas. Pero
encontramos tres líneas verticales que dividen el cuadro. Una en medio para él y otra para las personas que se
alejan. La línea que está hacía la derecha es la que me indica que eso es un
cuadro, él se ve así desde fuera. Los barandales que le añaden profundidad y la
última curva que da el horizonte.
Color: Hay un fuerte
contraste entre el cielo naranja, lo azul casi negro del rio que delimita las
dos porciones de tierra. Los personajes también están en azul obscuro. El
naranja es parecido al de los barandales. Encontramos también marrones en el
piso y en la tierra.
Tono y
Luminosidad: Las tonalidades son muy
obscuras menos el cielo naranja que es de un color chillante. Existe poca
luminosidad, solamente para dar profundidad.
Composición: Su soporte
es óleo, temple y pastel sobre cartón, 91cm x 73.5 cm. Las líneas rectas del barandal conducen hacia
la figura principal del cuadro, luego a los dos personajes del fondo y después
en el horizonte que se pierde en líneas rectas. Las líneas rectas se refieren a lo visible, lo concreto, las
onduladas para marcar el sentimiento. Se
forma un triangulo visual entre el personaje principal, los que se van y el
agua.
Expresión: El personaje
tiene una expresión de terror, de espanto, mientras los otros le dan la vuelta.
Las aguas agitadas son el sentimiento
que embarga a esta persona.
Lógica imaginaria: En
las figuras que se van predomina la indiferencia de ellas ante el personaje
principal, que está en verdad angustiado, sólo. La tonalidad del cielo y las
líneas curvas casi cerradas refuerza la angustia que siente que también se
apodera del paisaje.
DIMENSIÓN DEL SÍMBOLO VISUAL
Imagen y símbolo: El puente simboliza el paso
del tiempo, en donde este personaje se encuentra solo. El grito es el lamento
que se expresa cuando ya no se puede más. Las líneas de la derecha que forma un
tipo marco, es la forma de indicarnos
que el está viendo su interior. El agua simboliza los sentimientos.
Signo: Las manos del personaje principal son signo de angustia, también su cara refleja los sentimientos. Lo turbio del agua y sus colores me indican cómo se siente y su horizonte señala que no tiene fe en el futuro.
Alegoría: El autor nos
muestra como se ve a sí mismo, solo, abandonado y no comprendido por los demás.
Sus sentimientos son tristes, angustiados y no ve que su futuro vaya a mejorar.
Arquetipo: Los
sentimientos de soledad y de incomprensión cuando uno ha llegado al límite.
Hermenéutica del
símbolo: En el diario de Munch escribió
que paseaba con sus amigos de repente sintió como el cielo se teñía de
rojo, se detuvo se apoyo en el barandal… mis amigos continuaron y yo me quede
quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la
naturaleza”. Quizás es un grito a la falta de interés por los sentimientos de
los demás, los podemos ver casi tirados en el piso y ni siquiera volteamos a
ver.
DIMENSIÓN NARRATIVA: En el paso del tiempo las situaciones hacen que las personas se sientan
angustiadas. Pero muchas veces los demás no se dan cuenta de lo que nos
conflictua y es cuando sentimos esa angustia, ese vacío, miedo al futuro y
soledad.
Cuando pasamos esa situación, porque si el puente lo
tomo como el tiempo, y ya estamos fuera de él, quiere decir que está recordando
cómo se sentía, de lejos, el autor se ve a sí mismo y plasma su
sentimiento.
ANÁLISIS HISTÓRICO CULTURAL:
Eduard Much tuvo una
niñez difícil ya que perdió a su madre y a su hermana de tuberculosis, otra de
ellas fue internada en una clínica, lo que marca su obsesión por la muerte y el
paso del tiempo. El autor vivió en Paris
la Revolución Industrial que marca un
cambio en el pensamiento económico, social y político, así como varios
movimientos sociales de cómo debería organizarse de nuevo la sociedad.
Por ello quizás no sólo
representaba su angustia personal sino la de toda una época que se estaba
reorganizando y los demás que no se detienen a ver su propia existencia.
Denvir, Bernard. El
impresionismo, Editorial Labor, Barcelona, 1975.
Ramírez Juan Antonio,
et. al., Historia del arte, Vol. IV, Alianza Editorial, 1999; Honour, Hugh. El
romanticismo, Alianza Forma, Madrid, 1984.
Read, Herbert. Breve historia de la pintura
moderna, Ediciones del Serbal, Barcelona, 1984, pp. 11-31.
Ramírez Juan Antonio, “Las Vanguardias
Históricas: del Cubismo al Surrealismo”, en Ramírez Juan Antonio, et. al.,
Historia del arte, Vol. IV, Alianza Editorial, 1999, pp. 194-198 y 224-228.
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